Tussen 1400 en 1600 zag het Renaissance-tijdperk een grote evolutie van muzikale compositie stijlen, vooral van koormuziek. Hieronder heb ik vier prachtige stukken opgesomd die in deze periode zijn gecomponeerd en die ik allemaal heb opgevoerd en bewonderd. Je vindt de tekst van elk stuk met een Engelse vertaling, enkele algemene opmerkingen over het stuk of de achtergrond en een luisterhandleiding die overeenkomt met specifieke plaatsen op de ingesloten YouTube-opnames. Luister naar zo veel of zo weinig als je wilt, met of zonder de gidsen - het belangrijkste is om even te stoppen met wat je ook doet en te genieten van deze prachtige muziek.
1. Ave Verum Corpus (William Byrd c. 1605)
Tekst en vertaling: (bron)
Ave verum corpus / n atum de Maria virgine / v ere passum immolatum / in crucis pro homine. / Cuius latus perforatum / unda fluxit sanguine. / Esto nobis praegustatum / in mortis onderzoeken. / O dulcis, o pie / O Jesu Fili Mariae / miserere mei / Amen.
Wees gegroet, echt lichaam / geboren uit de maagd Maria / die echt heeft geleden, geslacht / aan het kruis voor de mensheid. / Wiens kant was doorboord / water en bloed uitgiet. / Wees een voorproefje voor ons / tijdens onze beproeving van de dood. / O lief, o heilig / O Jezus Zoon van Maria / heb medelijden met mij / Amen.
Algemene opmerkingen:
Een van mijn favorieten aller tijden, Byrd's Ave Verum Corpus is gevuld met prachtige dissonanten om de pijn van de tekst over de kruisiging van Christus te benadrukken. Overweeg hoe fluctuaties tussen majeur- en mineurakkoorden (waarvan ik er hieronder enkele heb aangegeven) de tekst illustreren. Let ook op momenten van homofonie (wanneer alle stemmen woorden samen in hetzelfde ritme zingen) versus gevallen waarin de stemdelen verspringende ingangen hebben en welke effecten dit heeft voor het overbrengen van de tekst. De mooiste momenten van het stuk zijn voor mij de ophangingen: momenten waarop de noten die door twee of meer stempartijen worden gezongen een paar tellen sterk dissonant zijn, voordat een partij een noot omhoog of omlaag beweegt om de spanning op te lossen. Dit is meestal het gevolg van het feit dat één partij op een noot blijft terwijl het akkoord eromheen verandert en vervolgens oplost naar een noot in het nieuwe akkoord.
Luistergids:
0:07: Merk op hoe het mineurakkoord als eerste homofoon is (alle stemmen komen tegelijkertijd binnen op dezelfde woorden en ritmes).
0:23: Merk op hoe het geluid opfleurt in een reeks grote akkoorden met de woorden "natum de Maria virginae" of "geboren uit de maagd Maria".
0:57: Luister naar de schorsing op "homine" (in het altgedeelte); kijk of je op deze plek een soort bevredigende spanning kunt horen en loslaten.
1:12: Merk op hoe de stemdelen op verschillende tijdstippen binnenkomen en de woorden "unda fluxit sanguine" of "water en bloed uitgieten" overlappen om het idee van gieten of stromen te auditeren.
1:36: Luister naar het crescendo (luider worden) op "mortis" of "death" - dit is een van de belangrijkste hoogtepunten van het stuk en benadrukt het drama van dit woord.
1:46: De stemmen worden plotseling zachter en zoeter op "o dulcis, o pie" of "o sweet, o holy". De sopraan zingt alleen voordat de andere delen binnenkomen, wat bijdraagt aan een gevoel van lichtheid en puurheid.
2:08: Let op de prachtige ophanging op "Mariae", dit keer in het tenorgedeelte.
2:15: Stempartijen komen op een andere tijd binnen op de tekst "miserere mei" of "heb medelijden met mij", wat individuele stemmen vertegenwoordigt in deze meer persoonlijke verklaring
2:43: De muziek herhaalt nu het gedeelte dat begint met "o dulcis, o pie", nog zachter en zoeter om het stuk af te sluiten.
3:47: Geniet van nog een sappige dissonantie tussen de tenortoon en de alt- / basnoten.
2. Ultimi Miei Sospiri (Philippe Verdelot c. 1520s?)
Tekst en vertaling:
Ultimi miei sospiri / che mi lassate fredd'et sença vita, / contate i miei martiri / a chi morir 'mi ved'et non m'aita. / Dite, o beltà infinita, / dal tuo fedel 'ne caccia empio martire. / Et se questo gli è grato, / gitene ratt'in ciel 'a miglior' stato. / Ma se pietà le porg'il vostro dire, / tornat'in me, ch'io non vorrò morire.
Mijn stervende ademhalingen / die me kil en levenloos maken, / vertel mijn lijden aan iemand / die me ziet omkomen en me niet helpt. / Spreek, o oneindige schoonheid, / opdat uw getrouwe meedogenloos lijden zal worden bespaard. / En als dit haar behaagt, / ga snel naar de hemel en een betere staat. / Maar als uw woorden haar medelijden opwekken, / kom bij mij terug, want ik wil niet sterven.
Algemene opmerkingen:
Dit stuk is een klassiek voorbeeld van een vroege madrigaal, een soort seculiere, niet-begeleide koormuziek afkomstig uit Italië. Zelfs niet-Italiaanse componisten gebruikten vaak in het Italiaans geschreven tekst en poëzie, dit stuk is een voorbeeld. Een van mijn favoriete dingen aan dit stuk is het geluid van de diepe basingangen (het laagste stemgedeelte van de 6), vooral in deze prachtige King's Singers-opname. Je zult veel imitatie horen tussen de stempartijen, wat een interessante polyfone textuur creëert (het tegenovergestelde van homofoon: stempartijen die op verschillende tijden tekst zingen met verschillende ritmes). Luister naar herhalende tekstregels die tussen stemmen worden doorgegeven - het gebeurt overal in het stuk.
(Opmerking: er is een spelfout in de titel van de YouTube-video. Het is 'Ultimi', niet 'Ultima'.)
Luistergids:
0:11: Hoor glorieus de eerste lage bas ingang weerklinken ...
0: 23-0: 28 en 0: 33-0: 38: Merk op hoe de zangers het "s" -geluid van "lassate" benadrukken om ons te helpen de herhaling van het woord in verschillende delen te horen.
0:50: Nog een bevredigende lage basingang.
1:20: Het stuk begint te intensiveren in volume en toonhoogte, met de nadruk op de smekende tekst "dite, o beltà infinita" of "speak, O infinite beauty".
2:03: Luister naar een zeldzaam homofoon moment in de hoge stemmen op "gittene ratt'in ciel" of "ga snel naar de hemel"; de lichtheid van de hogere stemmen zou deze opwaartse beweging naar de hemel kunnen vertegenwoordigen en de homofone textuur zorgt voor een kort contrast met de rest van de constant overlappende lijnen van het stuk.
2: 36-2: 52: Na een zachtere sectie begint het stuk zich weer op te bouwen in volume en intensiteit, en landt consequent op mineurakkoorden op het woord "ik" (wat een soort duistere nadruk geeft).
3:07: Hoor een prachtige vering in het alt 1-deel.
3. Je me klaagt piteusement (Guillaume Dufay c. 1423)
Tekst en vertaling:
Je me klaagt piteusement / a moi tout seul plus qu'a nullui, / de la griesté, paine e tourment, / Que je souffre plus que ne di. / Dangier me tient en tel soussi / Qu'eschever ne puis sa rudesse, / et Fortune le veult aussi, / mais, par ma foy, ce fait Jonesse.
Klik hier om een Engelse vertaling te zien. In wezen gaat de tekst over de pijn en het lijden van 'liefde' - en nogal melodramatisch!
Algemene opmerkingen:
Dit stuk zou opmerkelijk anders moeten klinken dan de andere; hoewel het technisch werd geschreven tijdens de vroege Renaissance, is het geluid van Dufay vrij middeleeuws. Luister naar de hol klinkende kwinten aan het einde van frases en de manier waarop de stemgedeelten elkaar overlappen, in plaats van verschillende notenreeksen in te nemen. Let ook op de ritmische en tekstuele onafhankelijkheid van de stempartijen (dwz ze zingen de tekst op iets andere tijdstippen en met iets andere ritmes). Dit draagt bij aan een ietwat chaotisch (en klassiek middeleeuws) geluid dat de meesten van ons niet gewend zijn te horen. Een ander middeleeuws element is het gebruik van stemmen voor muziek die niet met tekst is bedekt; zangers gebruiken klinkergeluiden als "ee" of "eu" voor deze secties.
Deze versie op YouTube gaat vergezeld van instrumenten; voor een fantastisch a-capella vocaal arrangement, bekijk Blue Heron's opname op Spotify.
Luistergids:
0: 11-0: 14: Luister naar dit fragment van melodie (gezongen door de hoogste stem, degene die een beetje uit de textuur springt) en kijk of je het door het hele stuk heen kunt horen herhalen (het komt meerdere keren terug) . Ik hou van de manier waarop dit deel klinkt!
0:44: Dit markeert het begin van een gedeelte zonder tekst (gezongen op "ee"). Merk op hoe de stemmen muziekinstrumenten emuleren en hoe het snelle, gestage ritme en de overlappende noten een soort golvend, golfachtig effect creëren.
1:00: Hier is een voorbeeld van een holle open kwint aan het einde van een zin - let op de stilistische keuze van de zangers om te decrescendo (zachter te worden) in plaats van er tegenaan te slaan.
1:04: Luister naar de korte homofonie aan het begin van deze sectie, die meer op latere renaissancemuziek klinkt dan op andere delen van het stuk.
1:30: Nog een voorbeeld van een open kwint die iets gemakkelijker te horen is.
1:32: Het tweede exemplaar van de tekstloze sectie.
4. Spem in alium (Thomas Tallis c. 1570)
Tekst en vertaling: (bron)
Spem in alium nunquam habui / praeter in te, Deus Israel, / qui irasceris, et propitius eris, / et omnia peccata hominum / in tribulatione dimittis. / Domine Deus, maker caeli et terrae, / respice humilitatem nostram.
Ik heb nooit mijn hoop gesteld / op iets anders dan jij, God van Israël, / die zowel woede als genade kan tonen / en alle zonden / lijdende mensen kan vrijgeven. / Heer God, schepper van hemel en aarde / wees bedacht op onze vernedering.
Algemene opmerkingen:
Dit ongelooflijke stuk heeft de meeste stempartijen van elk koorwerk (40!). De stemmen zijn opgesplitst in 8 koren van 5 stemmen (sopraan, alt, tenor, bariton en bas). Niet elk koor zingt op elk moment (ze ruilen vaak secties in groepen van twee koren), maar er zijn verschillende geweldige secties waarin alle partijen tegelijk zingen, waardoor een dicht, rijk geluid ontstaat. Het is duidelijk dat sommige stemmen dezelfde noten zingen (er klinken niet 40 verschillende noten tegelijk), maar Tallis varieert de ritmes en nootvolgorde van verschillende partijen om een dichte textuur van noten in hetzelfde akkoord te creëren.
Uit ervaring weet ik dat het heel gemakkelijk is om te verdwalen tijdens het zingen of luisteren naar dit stuk vanwege de constant overlappende ritmes. Meestal kan een geoefende luisteraar de downbeat (de eerste tel, die meestal extra nadruk krijgt) van elke maat van een stuk op het gehoor herkennen, maar het is ongebruikelijk moeilijk om dat in dit stuk na de eerste 30 seconden te doen. Het effect hiervan voor de luisteraar is een oneindige massa aan geluid, waarbij individuele lijnen moeilijk te onderscheiden zijn. Ik heb hieronder een paar specifieke momenten gemarkeerd om onderweg naar te luisteren, maar leun vooral achterover en geniet van de sfeer van deze!
Luistergids:
Kijk of je de ingangen van de afzonderlijke delen kunt horen, aangezien ze binnenkomen met de tekst "spem in alium" (vanaf het begin tot 2:12).
2:30: Dit is het eerste moment waarop alle delen tegelijk zingen!
Kijk of je de sopraan de melodielijn van de tenor direct kunt horen op "qui iraceris" (tenor om 2:54 uur, sopraan om 3:00 uur).
4:35: Hoor alle delen weer samen zingen op "et omnia peccata hominum" (dit is een van mijn favoriete momenten).
7:19: Na een pauze zingt iedereen (meestal) homofonisch de eerste dramatische uitspraak van "respice".
8:19: nogmaals, elk onderdeel komt binnen op "respice" na een rustperiode: vanaf hier is het een langzame en gestage opbouw naar het uitbundige einde.
Renaissance Music is voor absoluut iedereen
Ik hoop dat je het leuk vond om naar deze stukken te luisteren en de gidsen te gebruiken om je meer betrokken te voelen. Maar onthoud: er is geen goede of verkeerde manier om naar ze te luisteren. Ontdek je eigen favoriete onderdelen en beschrijf ze zoals je wilt; je hoeft absoluut geen muziektheorie te kennen om te beschrijven wat je leuk vindt aan een bepaald stuk of sectie. Van muziek moet genoten worden, er moet op gedanst worden, erover gepraat, mee gezongen en gebruikt worden om gevoelens op te roepen die we niet kunnen verklaren. Ik hoop dat je doorgaat met het verkennen van deze en andere stukken uit dit prachtige tijdperk van koormuziek.
