Misschien is de oudste muziekgrap wel het verhaal over de toerist in New York die een taxichauffeur vroeg hoe hij in Carnegie Hall kon komen.
Het antwoord (voor degenen die deze nog niet hebben gehoord) was "Oefenen, oefenen, oefenen!" Goed antwoord, gezien het idee dat het beheersen van een complexe vaardigheid doorgaans ongeveer 10.000 uur in beslag neemt - dat is 5 jaar werkweken van 40 uur!
Maar de waarheid is dat het niet echt 10.000 uur is - zoals de Piratencode, is dat cijfer van 10.000 uur 'meer een richtlijn'. Oefen slimmer en je zult sneller verbeteren. Hier zijn enkele eenvoudige tips om precies dat te doen.
Tip één: oefen met een reden!
En ook geen flauwe, algemene reden. Je wilt iets specifieks bereiken als je oefent. Laten we het opsplitsen. Er zijn drie soorten dingen die muzikanten oefenen:
1) Technische praktijk. Ze leren fysieke vaardigheden, bouwen specifieke fysieke conditionering op, zoals de 'lip' van een koperblazer of de vingerkracht van een gitarist, of leren muzikale materialen zoals toonladders, arpeggio's en dergelijke.
2) Oefen om problemen op te lossen. Dit betekent dat je de harde delen van een stuk speelt, de stukken die (nog!) Niet klinken zoals je wilt.
3) Oefen voor continuïteit. Dit betekent dat je moet leren spelen of zingen door muziek die je van plan bent op te voeren zonder te stoppen of te aarzelen. Het is het soort oefening dat het meest op optreden lijkt, en het is belangrijk. Helaas is dit het enige soort oefening dat sommigen van ons ooit doen - "helaas" omdat slechts één soort oefening geen goede manier is om sneller te worden.
Laten we eens kijken hoe deze manier van kijken naar de praktijk werkt.Hier zijn drie veelvoorkomende situaties.Kunt u elke situatie afstemmen op het soort oefenen dat nodig is?
- A) Een bandstudent moet zes hoofdschalen leren, met hun arpeggio's, voor de volgende "pass-off". (Speeltest.)
- B) Een garageband moet drie nieuwe nummers leren die hun zanger heeft geschreven voor hun volgende optreden. Ze hebben alle afzonderlijke delen geoefend tijdens het schrijven en arrangeren van sessies die ze als groep hebben gedaan. Ze hoeven alleen de nummers op te poetsen voor de zodat ze echt heel goed klinken.
- C) Een universiteitsmuziekstudent maakt zich op voor de concourscompetitie van de Muziekschool, die als prijs een optreden biedt als solist bij het Schoolorkest en een beurs van $ 500. Maar er is een sectie in maat 33-37 die altijd vals, niet op tijd of beide lijkt te klinken.
Zoals je zei:
A) - Technische praktijk; B) —Praktijk voor continuïteit; en C) —Oefen om problemen op te lossen, dan heb je het idee. Zo niet, dan is dit waarom het op die manier kapot gaat.
In A) probeert de student de toonladders en arpeggio's te absorberen. (Zijn leraar hoopt dat ze zo goed worden opgenomen dat het spel van de student in het algemeen wordt verbeterd.) Dat wil zeggen het leren van muzikaal materiaal, evenals de fysieke bewegingspatronen die daarbij horen, zodat de muzikale en fysieke patronen vrijelijk kunnen worden gebruikt en vol vertrouwen in prestatiesituaties. Dat is technische praktijk.
In B) probeert de band soepel en vol vertrouwen door hun nummers heen te komen. Ze willen schoppen, niet alleen struikelen! Ze hebben de details al uitgezocht; ze proberen de stukjes op de meest overtuigende manier samen te voegen. Ze oefenen voor continuïteit.
Ze proberen ook hun eigen vertrouwen op te bouwen in hun vermogen om het stuk 'door te komen', dus in zekere zin proberen ze zichzelf iets te bewijzen. Helaas blijven sommige muzikanten aan dit deel hangen. Ze zijn zo druk bezig om te bewijzen dat ze er klaar voor zijn dat ze de probleemoplossing die ze moeten doen om echt klaar te zijn, negeren.
In C) kent de student het stuk, maar ze probeert een probleemplek te achterhalen - waarom heeft ze de moeilijkheden die ze heeft en wat kan ze eraan doen? Dat is natuurlijk oefenen om specifieke problemen op te lossen.
Dit soort oefeningen wordt vaak vermeden - soms zelfs door degenen die denken dat ze het doen, maar die echt iets doen dat meer op continuïteitspraktijken lijkt. Misschien komt dat omdat echte probleemoplossing vraagt om geduld met zichzelf en de moed om toe te geven dat er in de eerste plaats een probleem is. Maar het is in zekere zin ook het leukst, omdat de uitdaging om iets uit te zoeken een beetje op een spel of puzzel kan lijken. Voor sommige mensen kan dit soort praktijken bijna verslavend zijn.
In elk van de gevallen is er echter een reden voor de praktijk - de muzikant of groep probeert iets specifieks gedaan te krijgen. En ze zullen het gemiddeld sneller doen als ze hun doel in gedachten houden. Zo:
Wees doelgericht!
Tip twee: Concentreer je, tenminste zoveel als nodig is!
Elk van de drie soorten oefeningen vereist concentratie:
- Als je oefent voor continuïteit, wil je ervoor zorgen dat je een sterk mentaal beeld behoudt van het stuk en waar je je bevindt;
- Als je oefent om problemen op te lossen, moet je echt luisteren naar het geluid dat je maakt en het vergelijken met het geluid dat je wilt maken, en je moet echt nadenken over hoe je de twee beter kunt laten matchen ;
- En als je technische oefeningen doet, moet je je voldoende concentreren om ervoor te zorgen dat je ze goed doet - anders bouw je slechte gewoonten op die je tegenhouden en die zelfs tot lichamelijk letsel kunnen leiden. Hoeveel concentratie nodig is, kan echter variëren. Als je een conditioneringsoefening doet die je honderden keren hebt gedaan, is er niet zoveel voor nodig als bij een oefening die bedoeld is om een geheel nieuwe speeltechniek op te bouwen. Ik ken mensen die toonladders hebben geoefend terwijl ze tv keken.
Gebruik je eigen verstand, maar:
Concentreren!
Tip drie: vertraag het!
Dit is meestal een tip voor het oplossen van problemen. Wanneer je een probleem in een stuk of een studie oplost, probeer je te leren de probleemplek onder controle te krijgen. De enige manier om controle te krijgen, is door te vertragen - bijna elke fysieke beweging langzaam genoeg te maken, en bijna iedereen kan het. Doe het veel langzaam, dan iets sneller, en herhaal het proces. Als je erbij blijft, brand je er na verloop van tijd doorheen.
Ik schreef bijna " en binnenkort brand je erdoorheen", maar dat is niet noodzakelijk waar. Ik herinner me momenten dat het leek alsof ik iets aan het oefenen was voor wat leek op de eeuwigheid - maanden, zelfs jaren - en met weinig verbetering om te laten zien.
En ik herinner me dat ik sommige dingen opgaf, omdat ik dacht dat er iets mis met me moest zijn als het erom ging dat ding te leren. Maar ik geloof nu dat ik niet lang genoeg volhield. In het geval dat ik volhield, werd ik beter. Veel beter zelfs. Jij ook.
Een andere subtip hier: vertraag het tempo voor de hele probleemplek, maar houd dat tempo constant. Het kan stom zijn om een lange noot in het midden van een probleemplek vast te houden, maar als je het jezelf altijd laat doen, zal je gevoel voor ritme je dankbaar zijn. Een metronoom gebruiken om dat langzame tempo eerlijk te houden, kan hierbij helpen. Bovendien kun je op die manier het tempo op de metronoom geleidelijk verhogen en kun je beter zien dat je echt aan het verbeteren bent. Dan raak je minder snel ontmoedigd.
Vertragen!
Tip vier: verander het!
Een metgezel voor Tip Three. Een andere goede manier om jezelf de controle over een probleemplek te geven, is door deze te veranderen! De eenvoudigste manier is om het in te korten: probeer slechts een paar moeilijke noten te oefenen en ze misschien keer op keer te "herhalen". Op die manier kun je heel snel veel oefenen op precies het bit dat je nodig hebt om te oefenen.
Maar u kunt het ook op andere manieren wijzigen. U kunt bijvoorbeeld enkele noten verwijderen - siernoten, noten op de tel of wat dan ook. Het klinkt misschien een beetje gek, maar het kan echt helpen. Een reden is dat het het ritmische raamwerk veel gemakkelijker te begrijpen maakt; een andere is dat het je een beetje kan laten ontspannen en je echt kunt concentreren op de noten die je speelt.
Of u kunt pauzes invoegen, waardoor u moeilijke aantekeningenplekken maakt waarop u kunt 'landen'. Wanneer je op een harde noot terechtkomt, houd je hem vast, zodat je de tijd hebt om ernaar te luisteren en de fysieke inspanning te voelen om die noot te spelen. Als je precies weet hoe een bepaalde noot klinkt en aanvoelt, heb je die goed onder controle.
Hier zijn enkele voorbeelden om het te veranderen:
Bekwame transposers - en degenen die ernaar streven te zijn - kunnen passages in verschillende toonsoorten oefenen. De legendarische Chicago Symphony-trompettist 'Bud' Herseth is hier een groot voorstander van geweest.
Wees dus niet bang
Verander het!
Tip vijf: krijg feedback!
Sommigen van ons hebben de neiging om in een soort vacuüm te oefenen: we gaan over dingen en misschien luisteren we, maar we gebruiken niet zoveel mogelijk externe verificatie. En dus verbeteren we niet zoveel als we zouden kunnen.
De meest voor de hand liggende manier om te controleren wat we doen, is door iemand die het weet te vragen. Je muziekleraar is een goede keuze als criticus; soms zijn bandleden ook een goede keuze. (Vooral degenen die meer om de muziek geven dan om je gevoelens.)
Steeds populairder als 'critici' zijn audio- en video-opnames. Iets van buiten horen kan ons helpen een betere criticus voor onszelf te zijn - het is verrassend hoe duidelijk je dingen over je spel op een opname hoort die je helemaal niet hoorde tijdens het spelen.
Maar de beste dagelijkse controles zijn de metronoom en de tuner. Door naar een metronoom te spelen, weet je snel of je de tijd goed houdt of niet. En het gebruik van een tuner kan je laten weten of je meer vals speelt dan je had vermoed. (Natuurlijk zijn er ook andere opties langs deze lijn - er is nu oefensoftware en het goede oude toetsenbord kan ook helpen met stemmen, als je het gebruikt.)
Het komt erop neer dat weinigen van ons zo goed zijn als we geneigd zijn te denken dat we zijn - dus controleer de indruk die uw oor u geeft.
Feedback krijgen!
Tip zes: laat de fouten gaan!
Ik weet dat dat het tegenovergestelde klinkt van wat ik net zei, maar Tip Vijf ging over het oplossen van problemen, en we gaan nu verder met praten over oefenen voor continuïteit. Het is waar dat u bij het oplossen van problemen alert moet zijn op fouten, zodat u deze kunt oplossen. Maar als u oefent voor continuïteit, moet u ook oefenen met het negeren van fouten.
Dat komt omdat fouten een enorme afleiding in de prestaties kunnen zijn. Zodra je denkt: "Oeps, ik heb het verknald", verlies je je focus op de muziek die je speelt. Je bent gefocust op jezelf. Misschien geef je jezelf een pak slaag: 'Hoe kan ik zoiets doen?'
Maar in beide gevallen denk je niet na over wat er daarna komt.
Gevaar! Flubbed muziek vooruit!
Dus als je oefent voor continuïteit, moet je oefenen om je aandacht te richten op de muziek zelf en hoe deze verloopt. Als je een fout maakt, blijf gewoon spelen. Met andere woorden,
Laat de fouten gaan!
Tip Zeven: Blijf de muziek denken, zelfs als je het niet kunt blijven spelen!
Catchy, maar wat betekent dit?
Welnu, als je - God verhoede - een fout maakt, dan wil je vooral niet je plaats verliezen. Als je stopt met spelen, is dat slecht - maar als je nog steeds weet waar je bent in de muziek, kun je er meteen weer in springen. Als je echter verdwaald bent, zullen er waarschijnlijk nog meer fouten volgen voordat je erachter komt waar je bent.
Als je oefent voor continuïteit, dan wil je zowel een sterk mentaal beeld opbouwen van hoe het stuk gaat - sommige muzikanten noemen dit de 'door-lijn' - en je vermogen om bij die door-lijn te blijven door dik en dun . Een manier om dat te doen is door opzettelijk te stoppen met spelen terwijl je oefent voor continuïteit, terwijl je je nog steeds het geluid van de muziek voorstelt terwijl je door het 'stille' gedeelte telt. U kunt bijvoorbeeld elke andere maat spelen, waarbij u zich de maten ertussen voorstelt.
Het is een geweldige oefening
Blijf de muziek denken!
Tip Acht: Houd het ontspannen!
Hierboven heb ik geschreven alsof continuïteitspraktijk altijd een mini-performance moet zijn. Maar niet altijd! Je bent misschien niet fysiek of mentaal klaar om het hele stuk door te komen. In dat geval is het beter om continuïteit in secties te oefenen.
Dit is vooral belangrijk als het gaat om fysiek uithoudingsvermogen. Altijd beginnen aan het begin van een stuk en doorwerken tot het einde kan leiden tot het leren dat het einde synoniem is met fysieke vermoeidheid en spanning. Om dit te verslaan, probeer het stuk te oefenen voor continuïteit door secties, maar begin aan het einde en werk naar het begin toe.
Een andere variant is het opnemen van 'ingebeelde secties', zoals beschreven in Tip Zeven. Er zijn ongetwijfeld andere mogelijkheden. Maar vind een manier om
Houd het ontspannen!
Tip negen: houd het tempo of de tempo's eerlijk!
Ik weet dat ik mezelf hier herhaal, omdat ik in Tip Vijf al pleitte voor het gebruik van een metronoom, maar een deel van de doorlopende lijn is om het tempo te houden waar het moet zijn. Het kan constant zijn voor het hele stuk - in welk geval het gebruik van een metronoom gemakkelijk is - of het kan enorm variëren. In dat geval is de handigste manier om het tempo te controleren het gebruik van begeleidingssoftware of een opname van de muziek. Maar hoe je het ook doet, het tempo controleren terwijl je een stuk poetst voor uitvoering is uiterst belangrijk.
Houd het tempo eerlijk!
Tip tien: zorg voor je lichaam!
Ik bewaarde de belangrijkste tip voor het laatst. Er zijn een aantal manieren waarop deze tip van toepassing is.
Ten eerste is je lichaam onderdeel van je instrument. (Als je een zanger bent, is dit je hele instrument!) Daarom moet je, om op je best te spelen, ook je lichaam onderhouden. Ik herinner me bijvoorbeeld een trombonist, die zei dat zijn best practice-sessies altijd begonnen met een mijlrun. Goede voeding, rust en het vermijden van een ongezonde levensstijl zullen je niet automatisch een geweldige muzikant maken, maar ze kunnen je talent en hard werken een extra concurrentievoordeel geven.
Ten tweede is slecht oefenen (of presteren) gevaarlijk voor je gezondheid. Repetitieve stressblessures zijn een reëel probleem onder professionele muzikanten en zijn ook niet ongebruikelijk onder studenten en amateurs. Ze kunnen pijnlijk, duur en zelfs carrière-einde maken.
Maar het goede nieuws is dat ze kunnen worden geminimaliseerd door een goede speeltechniek te gebruiken. (Het klinkt prekerig, maar speeltechniek is bedacht en is gedeeltelijk ontwikkeld om fysiek werkbaar te zijn voor spelers. Het maakt deel uit van ons erfgoed van 'culturele wijsheid' als muzikanten, en we negeren het op eigen risico.)
Het is ook belangrijk om aandacht te besteden aan het fysieke aspect van ons spel. Hoewel we zeker moeten leren dingen te doen die in het begin misschien niet fysiek comfortabel zijn, moeten we goed letten op wat we doen als we overmatige vermoeidheid ervaren in specifieke spieren, aanhoudende pijnen, een afnemend bewegingsbereik of spierzwakte. voordat we echt letsel oplopen.
Zorg goed voor je lichaam!
Laten we het samenvatten:
Tip één: oefen met een reden! ( Weet wat je probeert te doen.)
Tip twee: Concentreer je, tenminste zoveel als nodig is. (Doe het dan.)
Tip drie: vertraag het! ( Geef jezelf de controle over het tempo.)
Tip vier: verander het! (Geef jezelf de controle over de structuur van de muziek - je hoeft het niet altijd precies te oefenen zoals het op de pagina staat. Soms is het slim om het "dom te maken".)
Tip vijf: krijg feedback! (Zorg ervoor dat u het goed doet - gebruik tuner, metronoom, computer, opnames en (natuurlijk) docenten en critici.)
Tip zes: laat de fouten gaan! (Het zal nooit perfect zijn, maar het kan nog steeds prachtige muziek zijn. Laat het echt zijn en laat het voorbijgaan.)
Tip Zeven: Blijf de muziek denken, zelfs als je het niet kunt blijven spelen! (Houd gewoon de 'door-lijn' vast.)
Tip Acht: Houd het ontspannen! Muziek is mooi als het stroomt, dus hang het niet op met zorgen en stress.
Tip Negen: Houd het tempo - of tempo's - eerlijk! ( Het is moeilijker om dit te doen dan je zou denken, dus controleer je tempo (nen!)
Tip tien: zorg voor je lichaam! (Het is de enige die je hebt, toch? Muziek is goed voor je, maar niet als je het verkeerd doet. En je lichaam is goed voor muziek, maar niet als je het verkeerd gebruikt. Dus "let op!" Let op hoe het voelt om te spelen of te zingen - en het te repareren, als het pijn doet of zwakte of spanning veroorzaakt!)
Daar heb je het: tien tips om je muziek leuk en veilig te houden en je oefentijd zo productief mogelijk te maken.
Ik hoop dat ze voor u werken zoals voor mij, en u net zoveel voldoening geven als zij voor mij. Ik hoop vooral dat ze je helpen schoonheid, energie, vreugde, opwinding en verlichting te brengen in een wereld die dat nodig heeft!
