Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, Op.25
Chausson was een Franse componist wiens veelbelovende carrière werd afgebroken door zijn vroege dood op 44-jarige leeftijd. Na zijn rechtenstudie ging hij compositie studeren aan het Conservatorium van Parijs bij Massenet en Franck. Hij werkte tot zijn dood bij de Société Nationale de Musique - een organisatie die Franse muziek promoot.
Zijn compositie-output was klein, maar significant. Een van de opvallende werken is het Poème voor viool en orkest. Dit eendelige werk verscheen in 1896 op verzoek van de Belgische violist Eugène Ysaÿe. Het is gebaseerd op The Song of Love Triumphant ( Le Chant de l'amour triomphant ) van de Russische romanschrijver Ivan Turgenev, dat het verhaal vertelt van twee jonge mannen die verliefd werden op dezelfde vrouw.
Het stuk begint in een donkere en sombere bui en de viool komt binnen met een intieme cadenza-achtige verklaring. De muziek wordt al snel gepassioneerder en het vioolgedeelte verandert in een emotionele weergave van lyrische melodieën en virtuoze passages. Violist Vincent P. Skowronski gaf het volgende advies aan violisten die dit stuk probeerden uit te voeren:
“Poème is een lange, moeilijke en sensueel aangrijpende speelervaring, dus je moet zoveel mogelijk energie besparen. Maar besteed zoveel energie als je caleidoscopisch palet aankan, want zelden krijg je de kans om te freewheelen met zulke grote hoeveelheden violistische pracht. '
Vadim Repin speelt Poème van Chausson
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - The Lark Ascending
The Lark Ascending (1881) is een gedicht van George Meridith, dat het verhaal vertelt van een veldleeuwerik die een hemels lied zingt. Het inspireerde Vaughan Williams om in 1914 een gelijknamig muziekstuk voor viool en piano te componeren, en later in 1920 voor viool en orkest. Dit stuk was opgedragen aan de Britse violiste Marie Hall, die beide versies in première bracht. Sindsdien is het een populair stuk geworden, vooral in Groot-Brittannië, waar het regelmatig wordt opgevoerd.
De componist citeerde de lijnen van het gedicht in een fly-leaf van zijn partituur. De muziek is zeer suggestief en vertoonde kenmerken van het impressionisme. Het gebruik van pentatonische toonladders, modi en vrij stromende ritmes creëren een sfeer die sterk geassocieerd is met het Engelse landschap. Gecomponeerd in de tijd van de Eerste Wereldoorlog was de sereniteit van de muziek in tegenspraak met de situatie van toen. Dit stuk was een representatie geworden van de Engelse stijl in een tijd waarin het land probeerde een nationale identiteit te vestigen.
Janine Jansen speelt The Lark Ascending van Vaughan Williams
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, Op.40
The Danse Macabre, ook wel bekend als de Dans van de Dood, was oorspronkelijk een kunstlied voor zang en piano gebaseerd op de tekst van Henri Cazalis. In 1874 maakten Saint-Saëns er een toongedicht voor orkest van met een prominente solo-vioolpartij, meestal gespeeld door de concertmeester.
De muziek begint met twaalf herhaalde noten van de harp, wat aangeeft dat de klok middernacht slaat. De solo-viool komt dan binnen met de tritone - vaak bekend als de duivel in de muziek, met de open snaren waarin de E-snaar is gestemd tot Es ( scordatura ). De raadselachtige dansthema's werden vervolgens met toenemende intensiteit en energie doorgegeven aan verschillende instrumentsecties. Een citaat van Dies Irae - een requiem dat normaal gesproken wordt gehoord tijdens een begrafenis - is te horen in het midden van het stuk. Tegen het einde verandert het stuk abrupt met een hobo-motief dat lijkt op de kraai van een haan en gevolgd door een rustige melodie in de grote toonsoort gespeeld door de solo-viool, wat suggereert dat de dag aanbreekt.
Saint-Saëns - Danse Macabre, Op 40
Leonard Bernstein (1918-1990) - Serenade na Plato's Symposium
Bernsteins Serenade after Plato's Symposium werd in 1954 gecomponeerd voor solo viool, strijkers, harp en percussie. Het kan worden beschouwd als een vijfdelig concert voor de viool. Het symposium is een filosofische tekst van Plato, waarin een fictieve dialoog door een groep opmerkelijke mannen over het onderwerp liefde werd afgebeeld. Bernstein noemde elk deel van zijn muziek naar een spreker van het symposium.
De Koussevitzky Foundation gaf opdracht voor dit werk en Bernstein dirigeerde de première in 1954 met Isaac Stern als solist. Het is ongelooflijk uitdagend voor zowel de violist als het orkest vanwege de vaak veranderende meter en het onvoorspelbare ritmische patroon. Bernstein's nauwgezetheid is te zien in de hele partituur, in wat wordt beschouwd als een van zijn mooiste concertzaalwerken.
Bernstein schreef de volgende opmerking over zijn Serenade:
I. Phaedrus — Pausanias (Lento — Allegro): Phaedrus opent het symposium met een lyrische rede ter ere van Eros, de god van de liefde. (Fugato, begonnen met de solo-viool.) Pausanias gaat verder met het beschrijven van de dualiteit van minnaar en geliefde. Dit komt tot uiting in een klassiek sonate-allegro, gebaseerd op het materiaal van de openingsfugato.
II. Aristophanes (Allegretto): Aristophanes speelt niet de rol van clown in deze dialoog, maar in plaats van de verteller voor het slapengaan, waarbij hij de sprookjesachtige mythologie van de liefde oproept.
III. Erixymachus (Presto): De arts spreekt over lichamelijke harmonie als wetenschappelijk model voor de werking van liefdespatronen. Dit is een extreem korte fugato scherzo, geboren uit een mix van mysterie en humor.
IV. Agathon (Adagio): misschien wel de meest ontroerende toespraak van de dialoog, Agathons panegyric omvat alle aspecten van de krachten, charmes en functies van liefde. Deze beweging is een eenvoudig driedelig lied.
V. Socrates — Alcibiades (Molto tenuto — Allegro molto vivace): Socrates beschrijft zijn bezoek aan de ziener Diotima en citeert haar toespraak over de demonologie van liefde. Dit is een langzame introductie van meer gewicht dan een van de voorgaande bewegingen en dient als een hoogontwikkelde herhaling van het middelste deel van de Agathon-beweging, wat een verborgen sonatevorm suggereert. De beroemde onderbreking van Alcibiades en zijn groep dronken feestgangers luidt het Allegro in, een uitgebreid rondo dat zich uitstrekt van opwinding via jiglike dansmuziek tot vreugdevolle viering. Als er een vleugje jazz in de viering zit, hoop ik dat het niet zal worden opgevat als anachronistische Griekse feestmuziek, maar eerder als de natuurlijke uitdrukking van een hedendaagse Amerikaanse componist doordrenkt met de geest van dat tijdloze etentje.
"Kunstwerken maken regels; regels maken geen kunstwerken." - Claude Debussy
